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Besondere Visuelle Effekte im Film: Die Kunst von "See You Later"

Von Miguel Cima

Weitere Informationen finden Sie auf unserer Filmseite.


Vom Anfang des kreativen Prozesses ist die Phantasie im Spiel. Bevor etwas existiert, muss es im Verstand visualisiert werden. Dies geschieht im Filmemachen auf dem ganzen Weg. Zuerst muss das Drehbuch geschrieben werden, eine notwendige Textübung, die keine ersten Bilder erlaubt. Dann kommt das Storyboard. An diesem Punkt kommt der erste Funke von dem, was im Inneren des Künstlers liegt, zum Leben. Die Sequenzen werden grafisch ausgedruckt, was Schlüsselbilder für den Fortschritt des Films liefert. Es ist eine Offenbarung, dies mit den Augen zum ersten Mal registrieren. Nachdem die Produktion in Schwung gerät, wird alles echt. Ein Regisseur muss Requisiten und Garderobe, Audition und Cast Darsteller, Scout und genehmigen Standorten und so weiter. Wenn dieser heiße Moment endlich kommt - Dreharbeiten am Set - seht ihr eure Szenen ein für allemal, oder? Nun, nicht ganz ...

VFX. Geben Sie die sehr breite Bereich der Special Visual Effects. Tief in die Geschichte des Films wurden verschiedene Techniken eingesetzt, um Bilder einzufügen, die nicht auf Set mit Dingen gefilmt wurden, die waren. Die Gegenwart und die nicht-noch-hier wird schließlich teilen den Bildschirm. In diesen Tagen ist es allgemein bekannt, dass es ein wenig CGI (Computer Generated Imagery) in fast jedem Hollywood-Film gibt. Aber schon in den 1890er Jahren nutzten die Filmemacher raffinierte Methoden, um Filme über In-Kamera-Tricks, cleveres Editing und Double-Belichtungen mit Filmen zu versehen. Trotz der Tatsache, dass das digitale Zeitalter hat viele dieser traditionellen Techniken viel weniger häufig gemacht, sind praktisch alle von ihnen noch im Einsatz heute.

Unabhängig davon, wie besondere visuelle Effekte erzielt werden, wurde den Filmemachern immer eine zentrale Herausforderung gestellt: Wie kann eine Szene gedreht werden, wenn ein Großteil davon überhaupt nicht zu sehen ist? Wieder - digitaler Film hat diese Herausforderung zu einem großen Teil verengt. Aber letztlich müssen die Schauspieler gegen Charaktere und Ereignisse spielen, die nicht geschehen. Die Kamera muss einen negativen Raum aufzeichnen, den sie noch nicht kennt. Und wie immer, der Regisseur muss immer wissen, was die endgültig bearbeitete Szene aussehen wird, diesmal mit nichts auf Set zu betrachten. Es gibt eine Menge von Möglichkeiten, dies zu tun, aber es variiert je nach Techniken eingesetzt werden. Im Folgenden sind einige der häufigsten visuellen Effekte in Live-Action-Spielfilmen verwendet, und wie der Filmemacher Ansatz meistern kann die Kunst der "sehen Sie später".


1. Animation

Es gibt eine Menge von berühmten Beispielen von Filmen, die animierte Charaktere interagieren mit der "realen" Welt im Film. Klassische Beispiele sind Disney-Filme wie Mary Poppins und Who Framed Roger Rabbit? Handgezeichnete animierte Menschen und Tiere wurden nach der Tatsache hinzugefügt, während Akteure gegen Requisiten spielen, die für lebende Pendants stehen. Vor kurzem wurde CGI verwendet , um diese Funktion zu erfüllen, wie im Leben von Pi und Gänsehaut . Die gute Nachricht für die Filmemacher ist, dass ein gut gearbeitetes Storyboard als Leitfaden für die Vorproduktion dient, um Besetzung und Crew mit der Vorstellung vertraut zu machen, wie die letzten Frames und Sequenzen aussehen werden. In Kombination mit Charakter-Illustrationen und Produktionsdesign-Renderings kann ein volles Bild erfaßt werden, um zu helfen, nicht nur die Handlung zu übersetzen, sondern die Stimmung dessen, was später hinzugefügt wird. Stimmschauspieler können auch am Set vorhanden sein, um ein akustisches Element hinzuzufügen, das besonders vorteilhaft für die Leute sein kann, die ihre Linien auf Satz setzen.


2. Miniaturen

Einer der ältesten Tricks im speziellen Buch der visuellen Effekte ist der Einsatz von Miniaturen. Traditionsgemäß bedeutete dies das Bauen von Maßstabsmodellen von Umgebungen, um sehr große Sätze wie ganze Städte, massive Fahrzeuge, riesige Strukturen und so weiter darzustellen. So weit zurück wie die Silent Era, Filme wie Metropolis Miniaturen verwendet, um eine Stadt der Zukunft, komplett mit beweglichen Teilen. Schauspieler müssten auf nichts schauen und versuchen, uns zu glauben, sie sahen ein Kiefer-Drop-Szenario. Während der erste Blick auf Miniaturen im Storyboard vorkommt, ist es im Produktionsprozess, dass Filmemacher den ersten wirklichen Blick auf die Details der zu bauenden Modelle erhalten. Sobald die Handwerker auf das Geschäft der Gebäude sie zu bekommen, kann die ganze Crew einen echten Blick auf was wird auf dem Bildschirm erscheinen. Während nicht jede Produktion Zugang zu fertigen Miniaturen haben kann, bevor sie am Set drehen, sollten auch frühe Beispiele mit den wichtigsten Produktionsmitarbeitern geteilt werden. Es gibt ein taktiles Element, das vor fein konstruierten Miniaturen steht, die wirklich in die Augäpfel sinken. Sie können sogar wirklich berühren (sorgfältig!). Erste Gesicht Zeit mit dem, was auf dem Bildschirm sitzen wird später profitieren die Produktion.


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3. Mattfarben

Eine weitere altehrwürdige Methode, um große Umgebungen hinzuzufügen, ist die Matte Painting. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, es zu tun, aber im Wesentlichen, ein Künstler malt ein sehr detailliertes fotorealistisches Set-Stück, oft in einem massiven Maßstab, um zu zeigen, was ein Satz nicht konnte. Schauspieler sind in den Rahmen blockiert, um die Grenzen der Matte, die später hinzugefügt werden, nicht zu brechen. Der Zauberer von Oz benutzte sie großartig, vor allem, wenn Dorothy und die Bande ihren ersten Blick von der Emerald City in der Ferne bekamen. Star Wars benutzte sie auch in Schüssen wie der Dead Star's Laderampe - die Hunderte von Storm Troopers wurden buchstäblich gezogen! Storyboards sind oft der Schlüssel zum ersten Verständnis, wie diese Frames aussehen werden, wenn die Bilder integriert werden, aber das wird alles viel klarer mit dem Produktionsdesign. In der Vergangenheit, diese spezialisierten Gemälde möglicherweise nicht bereit, von der Zeit Kameras Rolle auf dem Set gesehen werden. In diesen Tagen sind digitale Matten die häufigsten, und frühen Zugriff auf die Visuals können die gesamte Crew auf der gleichen Seite zu bekommen.

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4. Stoppen Sie die Bewegung

Es gibt einen gewissen Charme, die Bewegung Animation zu stoppen, auch wenn das Endprodukt nicht maskieren kann, was es ist. Von alten Klassikern wie King Kong bis 2015 Oscar-Nominierte Anomalisa , gibt es eine Textur, um voll aussetzbare Modelle ein Frame zu einem Zeitpunkt , dass CGI nie wieder zu erstellen. Figuren wie Puppen, Spielzeugfahrzeuge, Lehm oder einfach irgendwelche Rohstoffe, die ein Filmemacher vielleicht animieren möchte, werden in Dutzenden von Posen pro Sekunde mühevoll gefilmt, um die Illusion der Bewegung wiederherzustellen. Frühe Testversuche können Besetzung und Besatzung eine sehr konkrete Vorstellung davon vermitteln, was in der Postproduktion neben ihnen auf dem Bildschirm erscheinen wird und bietet eine Grunderfahrung, in der sie vor nur einem Leerzeichen am Set standen. Filmemacher können die Produktion schon früher vorbereiten, indem sie Storyboards und Charakter-Design im Vorfeld der Stop-Motion-Fotografie teilen. Und da es für Stopp-Motion-Techniken üblich ist, auch Matten, Miniaturen und sogar Animationen einzusetzen, steht oft eine viel tiefere Referenzquelle zur Verfügung, um alle Beteiligten für ihren Teil im Endprodukt vorzubereiten.


5. Verdoppelung

Jeder scheint Zwillinge zu lieben. Und Klone. Oder vielleicht Roboter mit einer auffälligen Ähnlichkeit mit einem Protagonisten. Unabhängig von dem Fall, jedes Mal, wenn Sie sehen, ein Doppel von einem Charakter auf dem Bildschirm, ist es fast immer die Technik der Verdoppelung, die Sie beobachten (im Gegensatz zu Real-Life-Zwillinge, Drillinge, etc.). Und im digitalen Zeitalter kann die Verdoppelung problemlos haywire gehen, wie die Agenten Smiths Avatare in den Matrixfilmen endlos multipliziert zu sein scheinen. Verdopplung stellt die Last direkt auf den Schauspieler: wie spielt man gegen sich selbst? Früher in der Vorproduktion kann ein Storyboard helfen, eine Gilde eine physikalische Strategie für die Auseinandersetzung der Nebeneinandersetzungen ihrer verschiedenen Selbst zu entwickeln. In der Vergangenheit stellte der zuvor aufgenommene Dialog oder ein Akteur, der Gegenmaßnahmen zur Verfügung stellte, große Unterstützung für den Akteur dar, der seine Rolle verdoppelte. Das digitale Zeitalter ermöglicht eine sofortige Wiedergabe und Integration von doppelten Schauspielern, so dass sie buchstäblich beobachten können selbst handeln gegen sich selbst dort auf gesetzt, wenn nötig. Aber wie immer, früh zu tun Tests mit dem Tech auf der Hand kann einen noch besseren Job auf Performance Prep.


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6. CGI

Der am meisten gesprochene besondere visuelle Effekt ist auch der, den die Menschen nicht zu schätzen scheinen die Tiefen genug. Computer Generated Imagery kann buchstäblich alles auf einem Bildschirm - von weiten Landschaften, die nicht einmal existieren, um riesige Armeen mit digitalen Menschen statt der Extras am Set gefüllt. Digital-Tech erlaubt Szenen, buchstäblich gemalt zu werden und belebt in irgendeiner Weise, die der Filmemacher auswählt. Und, wenn dies gewünscht wird, kann jede andere Form der Wirkung, die hier bis jetzt diskutiert wird, ersetzen. Trotzdem gibt es viele Gründe, noch Miniaturen, Matten und Modelle zu verwenden, und so oft wird CGI mit anderen Medien gemischt, um Filmsequenzen zu machen. Was ist auch schön über den Prozess ist, dass die "fehlenden" Elemente können oft mit auf Set über einen integrierten Composite auf einem Monitor interagiert werden. Dies gibt Besetzung und Besatzung einen enormen Vorteil beim Ausfüllen der Lücken fehlt vor der Kamera. Aber vorher, dass sogar passiert, muss der Filmemacher sehr sicher sein, zu fragen, was sie wollen. CGI ist ein teurer Prozess, der große Sachkenntnis erfordert und eine große technische Mannschaft, die teure Software und Hardware bedient. Zwar gibt es den Luxus der "Löschen" Ergebnisse, die man nicht mag, es gibt enorme Kostenüberschreitungen auf Risiko bei der Herstellung solcher Fehler. Besser, billigere Methoden früher zu verwenden. Werkzeuge wie Storyboards, Produktionsdesign und Testclips sollten niemals entsorgt werden, auch wenn digitale Composites am Set zur Verfügung stehen. Getting alles richtig von der get-go sparen Filmemacher eine Menge Zeit, Geld und Kopfschmerzen.


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Es gibt viele andere Arten von visuellen Effekten, aber diese sind im Allgemeinen integral, um Stücke zu setzen. Dinge wie Explosionen, Make-up, Kamera-Tricks und so weiter brauchen nicht die gleiche Art von Prep-Techniken, die wir hier besprochen haben. Es gibt so viel ein Filmemacher kann nicht hoffen, zu sehen, bis sie in den Post-Produktionsprozess zu bekommen, kann der Druck wirklich zu behaupten, um sowohl die Vision in den Kopf und effektiv kommunizieren diese Vision. Wenn es um spezielle visuelle Effekte geht, sind zusätzliche Schritte erforderlich, um einen greifbaren Weg zu schaffen, eine Szene zu sehen, bevor es fertig ist. Keine Menge von Alchemie nach der Produktion kann eine Live-Erfahrung für Besetzung und Besatzung ersetzen. Wir Filmemacher sind doch nur Menschen!




Über den Autor



Argentinien-geborener New-Yorker Miguel Cima ist ein Veteran der Film-, Fernsehen- und Musikindustrie. Ein erfolgreicher Schriftsteller, Filmemacher und Comic-Schöpfer, Miguels Film, Dig Comics , gewann Best Documentary im San Diego Comic Con und wurde für Cannes ausgewählt. Er hat für Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV und vieles mehr gearbeitet. Derzeit schafft Miguel Inhalte für mehrere Plattformen und Medien. Seine formale Ausbildung kam von der New Yorker Universität, wo er eine BFA im Film verdiente. Weltreisender, Kulturjunkie und Major Foodie, ist er seit Mitte der 2000er Jahre glücklich und unverheiratet, widmet sich seiner Familie & Freunden und versorgt seine wahren Meister - zwei Hunde und eine Katze - slawisch.


Erfahren Sie mehr über Miguel auf seiner Website, Dig Comics!


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