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6 Efectos Especiales Visuales en Película

Por Miguel Cima

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Los 6 efectos



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Desde el comienzo del proceso creativo, la imaginación está en juego. Antes de que una cosa exista, debe visualizarse en la mente. Esto sucede en el cine a lo largo del camino. Primero se debe escribir el guión, un ejercicio de texto necesario que no permite las imágenes iniciales. Luego viene el guión gráfico. En este punto, la primera chispa de lo que yace dentro de la mente del artista cobra vida. Las secuencias se grafican gráficamente, proporcionando cuadros clave para el progreso de la película. Es una revelación registrar esto con los ojos por primera vez. Después de que la producción se pone en marcha, todo se vuelve real. Un director debe revisar accesorios y vestuario, audición y actores de elenco, explorar y aprobar ubicaciones, y así sucesivamente. Cuando finalmente llega ese momento candente - filmando en el set - estás viendo tus escenas de una vez por todas, ¿verdad? Bueno, no del todo ...

VFX. Ingrese al área muy amplia de efectos especiales visuales. En lo profundo de la historia de la película, se han empleado diversas técnicas para insertar imágenes que no se filmaron en el set con las cosas que sí se grabaron. El presente y el todavía no aquí compartirán la pantalla. En estos días, es de conocimiento común que hay un poco de CGI (Computer Generated Imagery) en casi todas las películas de Hollywood que hay. Pero ya en la década de 1890, los cineastas usaban métodos inteligentes para agregar elementos a las películas a través de trucos en la cámara, edición inteligente y doble exposición. A pesar de que la era digital ha hecho que muchas de estas técnicas tradicionales sean mucho menos comunes, prácticamente todas siguen utilizándose en la actualidad.

Independientemente de cómo se logren los efectos visuales especiales, siempre se ha presentado sistemáticamente un desafío central a los cineastas: ¿cómo se puede filmar una escena cuando gran parte de ella no se puede ver en absoluto? Nuevamente, la película digital ha reducido este desafío en gran medida. Pero, en última instancia, los actores necesitan jugar contra personajes y eventos que no están sucediendo. La cámara debe registrar un espacio negativo que aún no conoce. Y, como siempre, el director siempre debe estar al tanto de cómo será la escena final editada, esta vez sin nada que ver. Hay muchas maneras de hacerlo, pero varía según las técnicas que se empleen. A continuación se incluyen algunos de los efectos visuales más comunes utilizados en largometrajes de acción en vivo, y cómo el cineasta puede acercarse a dominar el arte de "hasta luego".


1. Animación

Hay una gran cantidad de ejemplos famosos de películas que tienen personajes animados que interactúan con el mundo "real" de la película. Los ejemplos clásicos incluyen películas de Disney como Mary Poppins y Who Framed Roger Rabbit? A continuación se agregaron personas animadas y animales dibujados a mano, mientras que los actores tendrían que jugar contra los accesorios que sustituyen a sus contrapartes vivas. Más recientemente, CGI se ha utilizado para cumplir esta función, como en The Life of Pi y Goosebumps . La buena noticia para los cineastas es que un guión gráfico bien elaborado servirá como una guía en la preproducción para que el reparto y el equipo estén familiarizados con la idea de cómo serán los cuadros y secuencias finales. Cuando se combina con ilustraciones de personajes y representaciones de diseño de producción, se puede captar una imagen completa para ayudar a traducir no solo la acción, sino también el estado de ánimo de lo que se agregará más adelante. Los actores de voz también pueden estar presentes en el set para agregar un elemento aural que puede ser especialmente beneficioso para las personas que dan sus líneas en el set.


2. Miniaturas

Uno de los trucos más antiguos en el libro especial de efectos visuales es el uso de miniaturas. Tradicionalmente, esto significa construir modelos a escala de entornos para representar conjuntos muy grandes, como ciudades enteras, vehículos masivos, estructuras enormes, etc. Ya en la Era del Silencio, películas como Metrópolis usaban miniaturas para representar una ciudad del futuro, completa con partes móviles. Los actores tendrían que mirar a nada y tratar de hacernos creer que estaban contemplando un escenario asombroso. Si bien el primer vistazo a las miniaturas se produce en el guión gráfico, es en el proceso de diseño de producción que los cineastas obtienen la primera imagen real de los detalles de los modelos que se construirán. Una vez que los artesanos se dedican a la tarea de construirlos, todo el equipo puede tener una idea real de lo que aparecerá en la pantalla. Si bien no todas las producciones pueden tener acceso a las miniaturas completadas antes del rodaje en el set, incluso los primeros ejemplos deben compartirse con el personal clave de producción y el elenco. Hay un elemento táctil para pararse frente a miniaturas finamente construidas que realmente se hunden en los globos oculares. Incluso puedes tocarlos (¡con cuidado!). Conseguir tiempo de cara con lo que se sentará en la pantalla más tarde beneficiará a la producción.



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"Giant Monster" Miniature
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3. Pinturas mate

Otro método consagrado para agregar entornos a gran escala es la Pintura mate. Hay algunas formas diferentes de hacerlo, pero, en esencia, un artista pinta una pieza muy realista de fotorrealismo, a menudo en una escala masiva, para representar lo que un conjunto no pudo. Los actores se bloquean en el marco para no romper los bordes del mate que se agregarán más tarde. El Mago de Oz los empleó con gran efecto, especialmente cuando Dorothy y la banda obtuvieron su primera imagen de La Ciudad Esmeralda a lo lejos. La Guerra de las Galaxias también los usó en tomas como la bahía de carga de la Estrella de la Muerte, ¡esos cientos de Storm Troopers fueron literalmente arrastrados! Los guiones gráficos a menudo son clave para la comprensión inicial de cómo se verán estos marcos cuando se integren las imágenes, pero todo se vuelve mucho más claro con el diseño de producción. En el pasado, estas pinturas especializadas pueden no estar listas para ser vistos cuando las cámaras ruedan en el set. Hoy en día, los mates digitales son los más comunes, y el acceso temprano a las imágenes puede hacer que todo el equipo esté en la misma página.


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Matte
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4. Detener el movimiento

Hay un cierto encanto para detener la animación en movimiento, incluso si el producto final no puede enmascarar lo que es. Desde antiguos clásicos como King Kong hasta Anomalisa nominada al Oscar en 2015, existe una textura que permite exponer modelos totalmente disponibles cuadro por cuadro que CGI nunca podrá recrear. Cifras como muñecas, vehículos de juguete, barro o cualquier materia prima que un cineasta desee animar son filmadas minuciosamente en docenas de posturas por segundo para recrear la ilusión del movimiento. Los primeros ensayos pueden dar al elenco y al equipo una idea muy concreta de lo que aparecerá junto a ellos en la pantalla durante la postproducción, ofreciendo una experiencia sólida en la que antes solo se enfrentaban a un espacio en blanco en el escenario. Los cineastas pueden preparar la producción incluso antes compartiendo guiones gráficos y el diseño de personajes antes de la fotografía stop motion. Y dado que es común que las técnicas de stop motion también empleen mates, miniaturas e incluso animaciones, a menudo se dispone de una fuente de referencia mucho más profunda para preparar a todos los involucrados para su parte en el producto final.


5. Doblando

Todos parecen amar a los gemelos. Y clones. O tal vez robots con un parecido sorprendente a un protagonista. Cualquiera que sea el caso, cada vez que ve un doble de un personaje en la pantalla, es casi invariablemente la técnica de doblar lo que está viendo (en lugar de usar gemelos, trillizos, etc. en la vida real). Y en la era digital, doblar fácilmente puede descontrolarse, del mismo modo que los múltiples avatares del Agente Smith parecen multiplicarse infinitamente en las películas de Matrix . Doblar le pone la carga directamente al actor: ¿cómo se juega uno contra uno mismo? Al principio de la preproducción, un guión gráfico puede ayudar al elenco a idear una estrategia física para expresar las yuxtaposiciones de sus diversos yos. En el pasado, el diálogo previamente grabado o un actor que proporcionaba un diálogo de respuesta constituían una gran ayuda para el actor que doblaba su parte. La era digital permite la reproducción instantánea y la integración de los actores duplicados, por lo que, literalmente, pueden verse a sí mismos actuar contra sí mismos en el escenario si es necesario. Pero, como siempre, hacer las primeras pruebas con la tecnología disponible puede hacer un trabajo aún mejor en la preparación del rendimiento.



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Doubling
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6. CGI

El efecto visual especial más hablado es también el que las personas no parecen apreciar lo suficiente. Las Imágenes Generadas por Computadora pueden literalmente poner algo en una pantalla, desde vastos paisajes que ni siquiera existen hasta enormes ejércitos llenos de gente digital en lugar de extras en el set. La tecnología digital permite que las escenas sean literalmente pintadas y animadas de cualquier forma que el realizador elija. Y, si así lo desea, puede reemplazar cualquier otra forma de efecto discutida aquí hasta el momento. Aun así, hay muchas razones para seguir usando miniaturas, mates y modelos, y con frecuencia CGI se mezcla con otros medios para hacer secuencias de películas. Lo bueno del proceso es que los elementos "faltantes" a menudo se pueden interactuar en el conjunto a través de un compuesto integrado en un monitor. Esto le da al elenco y al equipo una gran ventaja al rellenar los huecos que faltan frente a la cámara. Pero antes de que eso suceda, el realizador debe estar seguro de pedir lo que quiere. CGI es un proceso costoso que requiere una gran experiencia y una gran tripulación técnica que opera costosos software y hardware. Aunque existe el lujo de "borrar" los resultados que a uno no le gustan, hay enormes sobrecostos en riesgo al cometer esos errores. Es mejor utilizar métodos más baratos antes. Las herramientas como los guiones gráficos, el diseño de producción y los clips de prueba nunca se deben desechar, incluso si los composites digitales estarán disponibles en el set. Hacer todo bien desde el principio puede ahorrarles a los cineastas mucho tiempo, dinero y dolores de cabeza.



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CGI
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Hay muchos otros tipos de efectos visuales, pero esos son generalmente integrales para establecer piezas. Cosas como explosiones, maquillaje, trucos de cámara, etc., no requieren el mismo tipo de técnicas de preparación que hemos discutido aquí. Hay tanto que un cineasta no puede esperar ver hasta que entran en el proceso de postproducción, la presión realmente puede aumentar para mantener la visión en la cabeza y comunicar efectivamente esa visión. Cuando se trata de Efectos Visuales Especiales, tomar medidas adicionales para proporcionar una forma tangible de "ver" una escena mucho antes de que se haga es muy importante. Ninguna cantidad de alquimia de posproducción puede sustituir una experiencia en vivo para el elenco y el equipo. ¡Nosotros los cineastas somos, después de todo, solo humanos!




Sobre el Autor



El neoyorquino argentino Miguel Cima es un veterano de las industrias de cine, televisión y música. Un exitoso escritor, cineasta y creador de cómics, la película de Miguel, Dig Comics , ganó el premio al Mejor Documental en el San Diego Comic Con y fue seleccionado para Cannes. Ha trabajado para Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV y mucho más. Actualmente, Miguel crea contenido para múltiples plataformas y medios. Su educación formal vino de la universidad de Nueva York, donde él ganó un BFA en película. Viajero del mundo, drogadicto de la cultura y foodie principal, él es feliz soltero al mismo galón desde los mediados de 2000s, dedicado a su familia ya amigos, y sirviendo servil a sus amos verdaderos - dos perros y un gato.


Más información sobre Miguel en su página web, Dig Comics!



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