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Storyboarding: Transformer les mots en langage visuel

Partie un

Par Miguel Cima

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Le cinéma commence dès la première fois que vous rêvez. Cela peut être le genre de sommeil de rêve, ou le rêve, où votre imagination vous emmène à des endroits étonnants. Dans les deux cas, il ya une image dans l'œil de l'esprit. Et pour le moment, personne dans le monde, mais vous pouvez le voir. De cette façon, nous sommes tous des cinéastes. Mais ce qui sépare le réalisateur bonafide de tout le monde est leur besoin de transformer ces rêves en un film réel. Et cela signifie descendre au travail acharné d'apporter ces visions à la vie.

Le script vient en premier - ce doux et complet ébauche finale est le premier marqueur mile sur votre voyage. D'ici l'avant, à peu près tout dans le processus créatif devient une réalité solide. Les acteurs sont réels, les accessoires sont durs et doux, les costumes de la penderie de l'armoire, vous vous tenez dans les emplacements et respirez l'air. Mais avant tout cela, la toute première visualisation de votre film sera le storyboard.

Les story-boards sont essentiellement des œuvres d'art séquentielles, comme les bandes dessinées, qui montrent la progression linéaire de l'action d'un film comme décrit dans le scénario. Alors qu'un scénario donnera certaines instructions visuelles clés, il n'est pas destiné à montrer chaque coup unique, chaque mouvement de la caméra, chaque gros plan ou chaque édition. Bien sûr, les choses importantes seront soulignées, des choses qui comptent pour le progrès du récit. Mais si chaque bit de direction a été mis dans un script, il serait comme des instructions stéréo.

C'est le travail du scénarimage de réaliser une représentation graphique du progrès séquentiel du film. Pensez-y comme un diaporama de l'ensemble du projet qui est dessiné plutôt que photographié. Une production cinématographique bien préparée utilisera un scénarimage pour planifier la préproduction , le garder à portée de main sur l'ensemble et se référer à lui pendant le processus d' édition.

Mais comment générer un de ces magnifiques outils cinématographiques? Nous commençons là où le processus de production a commencé: dans l'œil de l'esprit. Vous pouvez déjà voir votre vidéo YouTube, n'est-ce pas? De là, une petite organisation et des conseils peuvent vous emmener au storyboard.

Voici mes instructions étape par étape pour le faire. J'ai divisé les étapes en deux moitiés - les bases pour commencer, et des lignes directrices créatives pour faire ressortir la vision. Utilisez-les comme vous voulez - ce n'est pas la seule façon de faire les choses - mais ces conseils et suggestions devraient vous aider à faire le travail.


Identifiez vos scènes

Storyboarding les typiques 90-120 pages d'une long métrage est un processus long et ardu. Même produire la publicité de 30 secondes peut commander grand effort sur le cinéaste. C'est pourquoi les scènes doivent être décomposées en morceaux d'abord. Séparez les scènes et de les travailler par morceaux que vous assemblez le plus grand travail global.

Mais comment identifier «une scène» de toute façon? Il peut être plus délicat que vous le pensez. Les scènes sont initialement définies par deux choses: le lieu et le temps. De là vient le contexte, qui peut incorporer ou transcender ces deux éléments.

Considérez Alice au pays des merveilles comme un exemple. L'histoire commence avec Alice qui s'ennuie en prenant des leçons de sa sœur dans un jardin. Elle voit alors un lapin avec une montre. La curieuse fille poursuit le lapin en bas d'un chemin. Enfin, elle le suit dans un trou dans lequel elle tombe. Bien que techniquement, il ya quelques endroits différents dans cette séquence, c'est dans le même tronçon de temps de base, à l'extérieur dans le jardin, et nous pourrions appeler tout cela ensemble une scène.


Scène D'Alice au Pays des Merveilles

Exemple

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Cependant - une fois que Alice tombe dans le trou, elle est dans une réalité totalement différente. Est-ce un bon endroit pour une pause de scène? Même si nous sommes dans le même tronçon de temps ininterrompu? Oui, parce que le contexte est totalement changé maintenant. Non plus dans une scène pastorale ordinaire anglaise, notre héroïne flotte à travers un paysage surréaliste de mondes renversés et de visions folles. Nos lieux ont totalement changé et cela signifie une nouvelle page pour l'artiste scénariste. Alors:



Mais maintenant, regardons le problème du montage. Peut-être le montage le plus célèbre jamais est la scène classique à Rocky , où le boxeur est la formation à la musique de thème uplifting. Nous voyons Rocky poinçonnage le sac, Rocky corde à sauter, et bien sûr, Rocky courir dans la rue avec un million d'enfants courir après lui.


Rocky Montage

Exemple

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Chacune de ces images est-elle une nouvelle scène? Bien sûr que non. Même si les éléments du montage sont placés dans des lieux totalement différents à des époques totalement différentes, tous ensemble sont une scène.

À la fin de la journée, il doit y avoir une «sensation» pour définir une scène. Cette sensation peut refléter de nombreuses qualités. Changement thématique, inductif, séquentiel, de changement de rythme et beaucoup plus de «marqueurs» peuvent créer la frontière entre les scènes. En tant que visionneuse de film, vous avez été témoin de ces transitions à plusieurs reprises. En tant que cinéaste, vous les découvrirez.

Une dernière remarque sur cette étape: cela ne doit PAS être confondu avec une panne de script! C'est une autre boule de cire. Vous pouvez tout lire ici.

Liste de vos plans

C'est assez basique. Une fois que vous avez identifié les scènes, organisez-les en un seul document, dans l'ordre chronologique absolu car elles apparaîtraient à l'écran après votre édition finale. Vous pouvez le gratter sur du papier ou dans un document Word, mais un tableur numérique est conseillé, car il peut être intégré dans quelque chose de plus grand que vous pouvez utiliser en pré-production et pendant que vous photographiez: une liste de pré-production de tir. Encore une fois, c'est quelque chose que vous pouvez lire ici. En tout cas, gardez celui-ci simple. C'est juste un outil de référence pour visualiser votre storyboard de, bien que très important.

Briser la scène

Maintenant que vous avez vos modèles mis en place, le temps de se mettre au travail. C'est là que le cinéaste a vraiment besoin d'employer l'imagination. Le truc ici est de voir l'édition du film avant un cadre est tourné. Chaque cellule de scénarimage doit correspondre à la façon dont le cinéaste prévoit que la caméra verra l'action et tout mouvement significatif que l'appareil photo ou les habitants de la scène feront. Prenez votre script et d'étudier la scène. Conjurer jusqu'à ce que vos plans assemblés va couler comme. La caméra changera-t-elle d'angle? Y aura-t-il un mouvement d'un personnage ou d'une hélice? L'emplacement changera-t-il?


Revenons à Alice contre Rocky.


Avec Alice, la décomposition de la scène Rabbit pourrait ressembler à ceci:

  1. Long Shot d'un jardin, Alice se trouvant à la recherche ennuyé; Lecture soeur.
  2. Close Up Alice - un regard de surprise sur son visage.
  3. Angle sur Rabbit - un nouvel angle révèle un lapin blanc avec une montre.
  4. Tir de suivi - Alice se dirige vers le lapin.
  5. Zoom sur le trou que le lapin saute en elle.
  6. New Angle - Alice suit, sautant dans le trou elle-même.

Le réalisateur prendra chacun de ces battements et dessinera les images dans chaque cellule en séquence. Cette page storyboard sera de six panneaux, ou environ une page.

Avec le montage Rocky, nous regardons peut-être des dizaines de plans, qui s'étendent à travers les pages de cellules storyboard. C'est le sac de poinçonnage, le saut de corde, la course. Mais c'est aussi un tas de différentes parties de la ville où il court, et à différents moments de la journée. Il ya la corde sauter comme un tir complet dans la salle de gym, et comme un autre coup fait comme un gros plan de pieds de Rocky. Etc.

Ainsi, six panneaux de storyboard pour la rencontre de lapin d'Alice sur une page. Et peut-être 40 panneaux pour le montage de Rocky sur 8 pages de storyboard. Les deux scènes seront d'environ une minute à l'écran. Ce qui rend les durées du processus différent est dicté par les besoins storyboarding du scénario et cinéaste.

OK, maintenant que vous connaissez le «comment» de base du processus de scénarimage, nous pouvons passer à l'approche créative importante. Ce sera la première fois que vous devenez le cinéaste en tant qu'artiste en termes visuels. Le style de votre appareil photo, l'assemblage de votre programme d'édition, les motifs et la sensation sera peaufinée. Le temps d'apprendre comment vous faites votre film vraiment VOTRE. Apprenez tout à ce sujet ici.




A propos de l'auteur



Le Néo-zélandais argentin Miguel Cima est un vétéran des industries cinématographique, télévisuelle et musicale. Écrivain accompli, cinéaste et créateur de bandes dessinées, le film de Miguel, Dig Comics , a remporté le prix Best Documentary au San Diego Comic Con et a été sélectionné pour Cannes. Il a travaillé pour Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV, et plus encore. Actuellement, Miguel crée du contenu pour plusieurs plateformes et supports. Son éducation formelle est venue de New York University, où il a gagné un BFA dans le film. Voyageur du monde, drogué de la culture et grand gourmand, il est heureusement célibataire à la même fille depuis le milieu des années 2000, dévoué à sa famille et ses amis, et sert servilement ses vrais maîtres - deux chiens et un chat.


En savoir plus sur Miguel sur son site web, Dig Comics!


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