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6 Effetti Visivi Speciali nel Film

Con Miguel Cima

Si prega di consultare il nostro Cinema Page per ulteriori risorse.

I 6 effetti



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Fin dall'inizio del processo creativo, l'immaginazione è in gioco. Prima che una cosa esista, deve essere visualizzata nella mente. Questo succede nel cinema lungo tutto il percorso. Per prima cosa deve essere scritta la sceneggiatura, un esercizio di testo necessario che non consente le immagini iniziali. Poi arriva lo storyboard. A questo punto, la prima scintilla di ciò che si trova nella mente dell'artista prende vita. Le sequenze sono tracciate graficamente, fornendo fotogrammi chiave all'avanzamento del film. È una rivelazione registrarlo per la prima volta con gli occhi. Dopo che la produzione entra in gioco, tutto diventa reale. Un regista deve rivedere oggetti di scena e guardaroba, audizione e attori del cast, scout e approva le posizioni, e così via. Quando finalmente arriva il momento caldo - le riprese sul set - stai vedendo le tue scene una volta per tutte, giusto? Beh, non proprio ...

VFX. Inserisci l'area molto ampia di effetti speciali visivi. Nel profondo della storia del film, sono state impiegate varie tecniche per inserire immagini che non sono state filmate sul set con cose che erano. Il presente e il non-ancora-qui alla fine condivideranno lo schermo. In questi giorni, è risaputo che c'è un piccolo CGI (Computer Generated Imagery) in quasi tutti i film di Hollywood là fuori. Ma già negli anni Novanta dell'Ottocento i registi utilizzavano metodi intelligenti per aggiungere elementi ai film attraverso trucchi nascosti, editing intelligente e doppie esposizioni. Nonostante il fatto che l'era digitale abbia reso molte di queste tecniche tradizionali molto meno comuni, praticamente tutte sono ancora in uso oggi.

Indipendentemente dal modo in cui vengono realizzati gli effetti speciali, una sfida centrale è sempre stata presentata coerentemente ai registi: come può essere girata una scena quando gran parte di essa non può essere vista affatto? Ancora una volta - il cinema digitale ha ristretto questa sfida in gran misura. Ma alla fine, gli attori devono giocare contro personaggi ed eventi che non stanno accadendo. La fotocamera deve registrare uno spazio negativo che non conosce ancora. E come sempre, il regista deve sempre essere consapevole di come sarà la scena modificata finale, questa volta senza nulla sul set da guardare. Ci sono molti modi per farlo, ma varia a seconda delle tecniche utilizzate. Di seguito sono riportati alcuni degli effetti visivi più comuni utilizzati nei film d'azione dal vivo, e come il cineasta può avvicinarsi a padroneggiare l'arte di "ci vediamo più tardi".


1. Animazione

Ci sono una grande quantità di famosi esempi di film che hanno personaggi animati che interagiscono con il mondo "reale" del film. Esempi classici includono film Disney come Mary Poppins e Who Framed Roger Rabbit? Personaggi e animali animati disegnati a mano sono stati aggiunti dopo il fatto, mentre gli attori avrebbero dovuto giocare contro oggetti di scena in piedi per controparti viventi. Più recentemente, CGI è stato utilizzato per svolgere questa funzione, come in The Life of Pi e Goosebumps . La buona notizia per i registi è che uno storyboard ben fatto servirà da guida in fase di pre-produzione per far sì che il cast e la troupe abbiano familiarità con l'idea di come saranno le trame e le sequenze finali. Se combinato con illustrazioni di personaggi e rendering di progetti di produzione, è possibile cogliere un quadro completo per aiutare a tradurre non solo l'azione, ma l'umore di ciò che verrà aggiunto in seguito. Gli attori voce possono anche essere presenti sul set per aggiungere un elemento uditivo che può essere particolarmente utile per le persone che danno le loro linee sul set.


2. Miniature

Uno dei trucchi più antichi nel libro degli effetti speciali è l'uso delle miniature. Tradizionalmente, ciò significava costruire modelli di ambienti in scala per rappresentare insiemi molto grandi come intere città, veicoli massicci, strutture enormi e così via. Fin dall'epoca silenziosa, film come Metropolis utilizzavano miniature per rappresentare una città del futuro, completa di parti mobili. Gli attori non dovrebbero guardare nulla e cercare di farci credere che stessero osservando uno scenario sbalorditivo. Mentre la prima occhiata alle miniature avviene nello storyboard, è nel processo di progettazione della produzione che i registi ottengono il primo sguardo reale ai dettagli dei modelli da costruire. Una volta che gli artigiani si mettono al lavoro per costruirli, l'intero equipaggio può dare un'occhiata reale a ciò che apparirà sullo schermo. Anche se non tutte le produzioni possono avere accesso alle miniature completate prima delle riprese sul set, anche i primi esempi dovrebbero essere condivisi con il personale di produzione e il cast principali. C'è un elemento tattile in piedi davanti a miniature finemente costruite che affondano davvero negli occhi. Puoi persino toccarli davvero (con attenzione!). Affrontare il momento con ciò che verrà visualizzato sullo schermo in seguito andrà a beneficio della produzione.



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"Giant Monster" Miniature
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3. Quadri opachi

Un altro metodo consacrato per aggiungere ambienti su larga scala è il dipinto opaco. Ci sono diversi modi per farlo, ma in sostanza, un artista dipinge un set molto dettagliato e fotorealistico, spesso su vasta scala, per rappresentare ciò che un set non poteva. Gli attori sono bloccati nel frame in modo da non rompere i bordi del mascherino che verranno aggiunti in seguito. Il Mago di Oz li ha impiegati con grande efficacia, specialmente quando Dorothy e la banda hanno visto per la prima volta The Emerald City in lontananza. Star Wars li usava anche in colpi come la baia di carico della Morte Nera - quelle centinaia di Storm Troopers erano letteralmente attratte! Gli storyboard sono spesso la chiave per la comprensione iniziale di come questi frame appariranno quando le immagini saranno integrate, ma tutto ciò diventa molto più chiaro con il design della produzione. In passato, questi dipinti specializzati potrebbero non essere pronti per essere visti dal momento in cui le telecamere rotolano sul set. Al giorno d'oggi, i mattes digitali sono i più comuni, e l'accesso anticipato alla grafica può portare l'intero equipaggio sulla stessa pagina.


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Matte
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4. Stop Motion

C'è un certo fascino nel fermare l'animazione del movimento, anche se il prodotto finale non può mascherare quello che è. Dai vecchi classici come King Kong all'anomalisa nominata all'Oscar del 2015, c'è una trama per esporre modelli completamente posabili un fotogramma alla volta che CGI non può mai ricreare. Figure come bambole, veicoli giocattolo, argilla, o qualsiasi materia prima che un cineasta possa desiderare di animare, sono accuratamente filmate in dozzine di pose al secondo per ricreare l'illusione del movimento. Prove di prova iniziali possono dare al cast e alla troupe un'idea molto concreta di ciò che apparirà accanto a loro sullo schermo in fase di post-produzione, offrendo un'esperienza di messa a terra dove prima affrontano solo uno spazio vuoto sul set. I registi possono preparare la produzione anche prima condividendo storyboard e character design in anticipo rispetto alla fotografia in stop motion. E poiché è comune che le tecniche di stop motion utilizzino anche mascherini, miniature e persino animazioni, è spesso disponibile una fonte di riferimento molto più profonda per preparare tutti i soggetti coinvolti per la loro parte nel prodotto finale.


5. Raddoppio

Tutti sembrano amare i gemelli. E i cloni. O forse robot con una sorprendente somiglianza con un protagonista. In ogni caso, ogni volta che vedi un doppio di un personaggio sullo schermo, è quasi invariabilmente la tecnica del raddoppio che stai guardando (al contrario dell'uso di gemelli, terzine, ecc.). E nell'era digitale, il raddoppio può facilmente andare in tilt, il modo in cui le molteplici avatars di Agent Smith sembrano moltiplicarsi all'infinito nei film Matrix . Il raddoppiamento pone l'onere sull'attore: come si gioca contro se stessi? All'inizio della pre-produzione, uno storyboard può aiutare un cast a escogitare una strategia fisica per esprimere le giustapposizioni dei suoi vari sé. In passato, il dialogo registrato in precedenza o un attore che forniva un dialogo contro il contrappunto, fornivano un grande aiuto all'attore raddoppiando la propria parte. L'era digitale consente la riproduzione istantanea e l'integrazione di attori raddoppiati, in modo che possano letteralmente guardare se stessi agire contro se stessi proprio lì sul set, se necessario. Ma come sempre, fare i primi test con la tecnologia in mano può fare un lavoro ancora migliore nella preparazione delle prestazioni.



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Doubling
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6. CGI

L'effetto visivo speciale più parlato è anche quello che le persone sembrano non apprezzare abbastanza. Le immagini generate al computer possono letteralmente montare qualsiasi cosa su uno schermo - da vasti paesaggi che non esistono nemmeno a enormi eserciti pieni di persone digitali invece di extra sul set. La tecnologia digitale consente alle scene di essere letteralmente dipinte e animate in qualsiasi modo il cineasta scelga. E, se lo si desidera, può sostituire ogni altra forma di effetto discussa qui finora. Anche così, ci sono molte ragioni per usare ancora miniature, mascherini e modelli, e così spesso CGI è mescolato con altri media per creare sequenze di film. La cosa bella del processo è che gli elementi "mancanti" possono spesso essere interagiti con il set tramite un composito integrato su un monitor. Ciò conferisce al cast e alla troupe un enorme vantaggio nel riempire gli spazi mancanti davanti alla telecamera. Ma prima che ciò accada, il regista deve essere molto sicuro di chiedere quello che vuole. CGI è un processo costoso che richiede grande esperienza e una grande squadra tecnica che gestisce software e hardware costosi. Mentre c'è il lusso di "cancellare" i risultati che non ci piacciono, ci sono enormi eccedenze di costo a rischio quando si commettono tali errori. Meglio usare metodi meno costosi prima. Strumenti come storyboard, design di produzione e clip di prova non dovrebbero mai essere smaltiti, anche se i compositi digitali saranno disponibili sul set. Ottenere tutto ciò che serve sin dall'inizio può far risparmiare ai registi un sacco di tempo, denaro e mal di testa.



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CGI
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Ci sono molti altri tipi di effetti visivi, ma quelli sono generalmente parte integrante dei pezzi. Cose come esplosioni, trucco, trucchi con le telecamere e così via non richiedono lo stesso tipo di tecniche di preparazione che abbiamo discusso qui. C'è così tanto che un cineasta non può sperare di vedere fino a quando non entra nel processo di post-produzione, la pressione può davvero aumentare per mantenere la visione nella propria testa e comunicare efficacemente quella visione. Quando si tratta di effetti visivi speciali, adottare misure supplementari per fornire un modo tangibile di "vedere" una scena molto prima che sia fatta è estremamente importante. Nessuna quantità di alchimia post-produzione può sostituire un'esperienza live per il cast e la troupe. Dopo tutto, noi cineasti siamo solo umani!




Circa l'autore



Argentino di nascita newyorkese Miguel Cima è un veterano del cinema, della televisione e della musica. Un abile scrittore, regista e creatore di fumetti, film di Miguel, Dig Comics, ha vinto come miglior documentario al San Diego Comic Con e è stato selezionato per Cannes. Ha lavorato per la Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV, e altro ancora. Attualmente, Miguel crea contenuti per più piattaforme e dei media. La sua educazione formale è venuto da New York University, dove ha conseguito un BFA in film. viaggiatore del mondo, la cultura drogato e importante foodie, è felicemente coniugato stesso gal da metà degli anni 2000, dedicato alla sua famiglia e gli amici, e serve pedissequamente i suoi veri maestri - due cani e un gatto.


Ulteriori informazioni su Miguel sul suo sito web, Dig Comics!



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