Von Beginn des kreativen Prozesses an spielt die Fantasie eine Rolle. Bevor ein Ding existiert, muss es im Kopf visualisiert werden. Das passiert im Filmemachen auf dem ganzen Weg. Zuerst muss das Drehbuch geschrieben werden, eine notwendige Textübung, die keine ersten Bilder erlaubt. Dann kommt das Storyboard. An diesem Punkt wird der erste Funke dessen, was im Geist des Künstlers liegt, lebendig. Die Sequenzen werden grafisch ausgeplottet und liefern wichtige Rahmen für den Fortschritt des Films. Es ist eine Offenbarung, dies zum ersten Mal mit den Augen zu registrieren. Wenn die Produktion in Schwung kommt, wird alles real. Ein Regisseur muss Requisiten und Garderobe überprüfen, Schauspieler vorsprechen und Casting durchführen, Orte suchen und genehmigen, und so weiter. Wenn dieser heiße Moment endlich kommt - Dreharbeiten am Set -, siehst du deine Szenen ein für allemal, oder? Nicht ganz…
VFX. Betreten Sie den sehr weiten Bereich von Special Visual Effects. Bis weit in die Filmgeschichte hinein wurden verschiedene Techniken eingesetzt, um Bilder einzufügen, die nicht mit Dingen, die es waren, gefilmt wurden. Die Gegenwart und das Noch-nicht-hier werden schließlich den Bildschirm teilen. Heute ist es allgemein bekannt, dass es in fast jedem Hollywoodfilm ein CGI (Computer Generated Imagery) gibt. Aber schon in den 1890er Jahren nutzten Filmemacher clevere Methoden, um mit Trickfilmen, cleverem Schnitt und Doppelbelichtungen Elemente zu Filmen hinzuzufügen. Trotz der Tatsache, dass das digitale Zeitalter viele dieser traditionellen Techniken viel seltener gemacht hat, sind sie heute noch fast alle in Gebrauch.
Unabhängig davon, wie besondere visuelle Effekte erzielt werden, wurde den Filmemachern immer eine zentrale Herausforderung präsentiert: Wie kann eine Szene gefilmt werden, wenn viel davon gar nicht zu sehen ist? Noch einmal - der digitale Film hat diese Herausforderung in hohem Maße eingeschränkt. Aber letztendlich müssen Schauspieler gegen Charaktere und Ereignisse spielen, die nicht stattfinden. Die Kamera muss einen negativen Raum aufzeichnen, den sie noch nicht kennt. Und wie immer muss sich der Regisseur immer bewusst sein, wie die fertig bearbeitete Szene aussehen wird, diesmal mit nichts, was man sehen kann. Es gibt viele Möglichkeiten, dies zu tun, aber es hängt von den verwendeten Techniken ab. Im Folgenden finden Sie einige der häufigsten visuellen Effekte, die in Live-Action-Spielfilmen verwendet werden, und wie der Filmemacher die Kunst des "Sehens später" meistern kann.
Es gibt viele berühmte Beispiele von Filmen, die animierte Charaktere haben, die mit der "realen" Welt im Film interagieren. Klassische Beispiele sind Disney-Filme wie Mary Poppins und Who Framed Roger Rabbit? Handgezeichnete animierte Menschen und Tiere wurden nach der Tat hinzugefügt, während Schauspieler gegen Requisiten spielen mussten, die für lebende Gegenstücke standen. In jüngerer Zeit wurde CGI verwendet, um diese Funktion zu erfüllen, wie zum Beispiel in The Life of Pi und Goosebumps . Die gute Nachricht für die Filmemacher ist, dass ein ausgeklügeltes Storyboard als Leitfaden für die Vorproduktion dienen wird, um Besetzung und Crew mit der Idee vertraut zu machen, wie die endgültigen Frames und Sequenzen aussehen werden. In Kombination mit Charakterillustrationen und Renderings von Produktionsdesigns kann ein vollständiges Bild erfasst werden, um nicht nur die Handlung, sondern auch die Stimmung dessen, was später hinzugefügt wird, zu übersetzen. Sprecher können auch am Set anwesend sein, um ein akustisches Element hinzuzufügen, das besonders nützlich für die Leute sein kann, die ihre Zeilen am Set geben.
Einer der ältesten Tricks im speziellen Visual-Effects-Buch ist der Einsatz von Miniaturen. Traditionell bedeutet das, dass man Modelle von Umgebungen erstellen muss, die sehr große Mengen darstellen, wie z. B. ganze Städte, riesige Fahrzeuge, riesige Strukturen und so weiter. Bereits in der Silent Era haben Filme wie Metropolis Miniaturen verwendet, um eine Stadt der Zukunft mit beweglichen Teilen zu repräsentieren. Die Schauspieler müssten auf nichts achten und versuchen, uns glauben zu machen, dass sie ein atemberaubendes Szenario sehen würden. Während der erste Blick auf Miniaturen im Storyboard stattfindet, erhalten die Filmemacher im Prozess der Produktionsgestaltung den ersten echten Blick auf die Details der zu erstellenden Modelle. Sobald die Handwerker sich mit dem Bau ihrer Ausrüstung beschäftigen, kann die gesamte Crew einen genauen Blick darauf werfen, was auf dem Bildschirm erscheinen wird. Während nicht jede Produktion vor den Dreharbeiten am Set Zugang zu fertigen Miniaturen haben kann, sollten auch frühe Beispiele mit den wichtigsten Produktionsmitarbeitern und Darstellern geteilt werden. Es ist ein taktiles Element, vor fein konstruierten Miniaturen zu stehen, die wirklich in die Augäpfel einsinken. Sie können sie sogar wirklich berühren (vorsichtig!). Es wird der Produktion zugute kommen, wenn man sich mit dem konfrontiert, was später auf dem Bildschirm sitzen wird.
Eine weitere altehrwürdige Methode zum Hinzufügen großflächiger Umgebungen ist das Matte Painting. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, es zu tun, aber im Wesentlichen malt ein Künstler ein sehr detailliertes fotorealistisches Set-Stück, oft in einem massiven Maßstab, um darzustellen, was ein Set nicht konnte. Schauspieler werden in den Rahmen blockiert, um die Ränder der Matte, die später hinzugefügt wird, nicht zu durchbrechen. Der Zauberer von Oz setzte sie mit großer Wirkung ein, besonders als Dorothy und die Bande in der Ferne ihren ersten Blick auf die Smaragdstadt hatten. Star Wars verwendete sie auch in Aufnahmen wie der Ladebucht des Todessterns - diese Hunderte von Sturmtruppen wurden buchstäblich hineingezogen! Storyboards sind oft der Schlüssel zum ersten Verständnis, wie diese Frames aussehen werden, wenn die Bilder integriert werden, aber alles wird mit dem Produktionsdesign viel klarer. In der Vergangenheit waren diese spezialisierten Bilder möglicherweise nicht bereit, von den Kameras am Set gesehen zu werden. Heutzutage sind digitale Matten am gebräuchlichsten und ein früher Zugriff auf die Visuals kann die gesamte Crew auf die gleiche Seite bringen.
Es gibt einen gewissen Charme, Bewegungs-Animation zu stoppen, auch wenn das Endprodukt nicht maskieren kann, was es ist. Von alten Klassikern wie King Kong bis hin zu Oscar-nominierten Anomalisa 2015 gibt es eine Textur, um voll bewegliche Modelle ein Bild nach dem anderen zu zeigen, das CGI niemals neu erschaffen kann. Figuren wie Puppen, Spielzeugfahrzeuge, Ton oder fast jedes Rohmaterial, das ein Filmemacher animieren möchte, werden sorgfältig in Dutzenden von Posen pro Sekunde Film gefilmt, um die Illusion von Bewegung neu zu erschaffen. Frühe Testversuche können Cast und Crew eine sehr konkrete Vorstellung davon geben, was in der Postproduktion als nächstes auf dem Bildschirm erscheinen wird. Sie bieten eine gründliche Erfahrung, bei der sie zuvor nur eine Leerstelle am Set hatten. Filmemacher können die Produktion noch früher vorbereiten, indem sie Storyboards und Charakterdesign im Vorfeld der Stop-Motion-Fotografie teilen. Und da es bei Stop-Motion-Techniken üblich ist, auch Mathe, Miniaturen und sogar Animationen zu verwenden, ist oft eine viel tiefere Bezugsquelle verfügbar, um alle Beteiligten auf ihre Rolle im Endprodukt vorzubereiten.
Jeder scheint Zwillinge zu lieben. Und Klone. Oder vielleicht Roboter mit einer auffälligen Ähnlichkeit zu einem Protagonisten. Was auch immer der Fall ist, jedes Mal, wenn Sie einen Doppelcharakter auf dem Bildschirm sehen, ist es fast immer die Technik der Verdopplung, die Sie beobachten (im Gegensatz zur Verwendung von echten Zwillingen, Drillingen usw.). Und im digitalen Zeitalter kann Verdoppelung leicht drunter und drüber gehen, so wie sich die multiplen Avatare von Agent Smith in den Matrix- Filmen endlos zu vermehren scheinen. Verdoppelung belastet den Schauspieler direkt: Wie spielt man gegen sich selbst? Schon in der Vorproduktion kann ein Storyboard einer Besetzung helfen, eine physische Strategie zu entwickeln, um die Gegenüberstellungen ihrer verschiedenen Selbst auszudrücken. In der Vergangenheit haben zuvor aufgezeichnete Dialoge oder ein Akteur, der Gegengespräche lieferte, dem Akteur eine große Hilfe zur Verdoppelung seiner Rolle geleistet. Das digitale Zeitalter ermöglicht die sofortige Wiederholung und Integration von verdoppelten Schauspielern, so dass sie buchstäblich sehen können, wie sie selbst am Set reagieren, wenn es nötig ist. Aber wie immer können frühe Tests mit der vorhandenen Technik eine noch bessere Leistung bei der Leistungsvorbereitung erbringen.
Der am meisten diskutierte spezielle visuelle Effekt ist auch der, den die Menschen nicht zu schätzen scheinen. Computer Generated Imagery kann buchstäblich alles auf einen Bildschirm bringen - von riesigen Landschaften, die es nicht gibt, bis hin zu riesigen Armeen voller digitaler Menschen statt Extras am Set. Digitale Technologie ermöglicht es, Szenen in jeder beliebigen Art und Weise zu malen und zu animieren. Und, falls gewünscht, kann jede andere hier bisher besprochene Wirkung ersetzen. Dennoch gibt es viele Gründe, immer noch Miniaturen, Masken und Modelle zu verwenden, und so wird oft CGI mit anderen Medien gemischt, um Filmsequenzen zu erstellen. Das Schöne am Prozess ist auch, dass die "fehlenden" Elemente oft über ein integriertes Composite auf einem Monitor interagiert werden können. Dies gibt Cast und Crew einen enormen Vorteil beim Ausfüllen der fehlenden Lücken vor der Kamera. Aber bevor das überhaupt passiert, muss der Filmemacher sehr sicher fragen, was er will. CGI ist ein teurer Prozess, der große Sachkenntnis und eine große technische Mannschaft erfordert, die teure Software und Hardware betreibt. Es gibt zwar den Luxus, Ergebnisse zu "löschen", die man nicht mag, aber es gibt enorme Kostenüberschreitungen, die bei solchen Fehlern gefährdet sind. Besser vorher billigere Methoden verwenden. Tools wie Storyboards, Produktionsdesign und Testclips sollten niemals entsorgt werden, selbst wenn digitale Composites am Set verfügbar sein sollten. Von Anfang an alles in Ordnung zu bringen, kann Filmemachern viel Zeit, Geld und Kopfschmerzen ersparen.
Es gibt viele andere Arten von visuellen Effekten, aber diese sind im Allgemeinen integraler Bestandteil von Versatzstücken. Dinge wie Explosionen, Make-up, Kameratricks usw. erfordern nicht die gleiche Art von Vorbereitungstechniken, die wir hier besprochen haben. Es gibt so viel, dass ein Filmemacher nicht hoffen kann zu sehen, bis sie in den Postproduktionsprozess gelangen, der Druck kann wirklich dazu beitragen, sowohl die Vision im Kopf zu behalten als auch diese Vision effektiv zu kommunizieren. Wenn es um spezielle visuelle Effekte geht, ist es äußerst wichtig, zusätzliche Schritte zu unternehmen, um eine konkrete Möglichkeit zu bieten, eine Szene zu sehen, bevor sie fertig ist. Keine Menge Alchemie nach der Produktion kann eine Live-Erfahrung für Besetzung und Crew ersetzen. Wir Filmemacher sind schließlich nur Menschen!
Der in Argentinien geborene New Yorker Miguel Cima ist ein Veteran der Film-, Fernseh- und Musikindustrie. Der Film Dig Comics von Miguel, ein erfahrener Schriftsteller, Filmemacher und Comiczeichner, wurde auf der San Diego Comic Con als bester Dokumentarfilm ausgezeichnet und für Cannes ausgewählt. Er hat für Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV und mehr gearbeitet. Derzeit erstellt Miguel Inhalte für mehrere Plattformen und Medien. Seine formelle Ausbildung erhielt er an der New York University, wo er einen BFA in Film erhielt. Als Weltreisender, Kulturjunkie und großer Feinschmecker ist er seit Mitte der 2000er Jahre glücklich unverheiratet, widmet sich seiner Familie und seinen Freunden und dient sklavisch seinen wahren Meistern - zwei Hunden und einer Katze.
CGI (computergenerierte Bilder) und praktische Effekte sind hervorragende Beispiele, um zwei visuelle Effekte zu diskutieren, die in beliebten Filmen verwendet wurden.
CGI (Computer-Generated Imagery): CGI ist eine digitale Technik, die es Filmemachern ermöglicht, mithilfe von Computersoftware Bilder zu erstellen und zu bearbeiten. Es hat die Filmindustrie revolutioniert, indem es die Schaffung lebensechter Kreaturen, fantastischer Umgebungen und spektakulärer Actionsequenzen ermöglicht hat. Blockbuster-Filme wie „Avatar“, „Avengers: Endgame“ und „Jurassic Park“ haben das immense Potenzial von CGI gezeigt, fantasievolle Welten und atemberaubende Bilder auf die Leinwand zu bringen. Durch CGI können Filmemacher Live-Action-Filmmaterial nahtlos mit digital erstellten Elementen kombinieren, was zu einer nahtlosen Integration und realistischen visuellen Erlebnissen führt.
Praktische Effekte: Unter praktischen Effekten versteht man die physischen Techniken, die am Set verwendet werden, um visuelle Illusionen zu erzeugen. Dabei kommen echte Requisiten, Make-up, Modelle, Miniaturen, Pyrotechnik, Animatronik und andere greifbare Methoden zum Einsatz. Praktische Effekte haben im Filmemachen eine lange Geschichte und waren für einige ikonische Momente im Kino verantwortlich. Von den bahnbrechenden Kreatureneffekten in „Alien“ bis zu den atemberaubenden Stunts in der „Mission: Impossible“-Reihe sorgen praktische Effekte für ein greifbares und viszerales Erlebnis sowohl für Schauspieler als auch für das Publikum. Filmemacher kombinieren häufig praktische Effekte mit CGI, um eine nahtlose Mischung aus realen Elementen und digitalen Verbesserungen zu erreichen.
Mehrere Filme sind für ihre bahnbrechenden visuellen Effekte berühmt geworden, haben die Branche revolutioniert und die Messlatte für zukünftige Filme höher gelegt. „Jurassic Park“ (1993) verblüffte das Publikum mit seiner realistischen Darstellung von Dinosauriern mithilfe computergenerierter Bilder (CGI). „The Matrix“ (1999) führte den ikonischen Bullet-Time-Effekt ein und gestaltete Actionsequenzen neu. „Avatar“ (2009) sprengte die Grenzen von Motion Capture und CGI, um eine visuell immersive außerirdische Welt zu erschaffen. „Inception“ (2010) zeigte umwerfende visuelle Effekte, darunter Schwerelosigkeitskämpfe und Stadtfaltungssequenzen. „Gravity“ (2013) zeigte die Weiten des Weltraums durch die nahtlose Integration von Live-Action und CGI. „Interstellar“ (2014) kombinierte praktische Effekte, Miniaturen und CGI, um die Raumfahrt und Schwarze Löcher zu erforschen. Diese Filme haben einen bleibenden Eindruck hinterlassen und zukünftige Filmemacher dazu inspiriert, die Grenzen der visuellen Effekte zu erweitern.
VFX steht im Film für „Visual Effects“. Es bezieht sich auf den Einsatz digitaler Technologie, computergenerierter Bilder (CGI) und anderer visueller Elemente zur Verbesserung oder Erstellung visueller Sequenzen, die mit praktischen Mitteln allein nur schwer oder gar nicht zu erreichen sind. VFX im Film umfasst eine breite Palette von Techniken, darunter die Schaffung realistischer Umgebungen, die Animation fantastischer Kreaturen, die Simulation natürlicher Phänomene wie Feuer und Wasser und das Hinzufügen visueller Verbesserungen zu Live-Action-Filmmaterial. VFX-Künstler spielen eine entscheidende Rolle im Filmherstellungsprozess und nutzen spezielle Software und Techniken, um fantasievolle Welten und außergewöhnliche Bilder auf der großen Leinwand zum Leben zu erwecken.
