Come prepararsi come regista
Sei il regista di un film. Che cosa significa? Cosa fa un regista? Come si fa?
Ci sono così tante idee sbagliate sui registi, molti dei quali perpetuate da loro stessi, e una mitologia così pesante legata alla posizione, che la versione romanzata è quasi sempre sia sopravvalutata che sottovalutata.
Sì, certo, tutti noi vogliamo pensare al regista come all'artista e, nel migliore dei casi, lo sono. Ma la primissima cosa in cui tutti i direttori si impegnano è la gestione . Il loro compito è fondamentalmente rispondere a circa 1.000 domande al giorno, dare altri 1.000 ordini e lottare con 1.000 problemi, il tutto orientato a dare vita a una visione. A volte questo serve un impulso artistico dal profondo dell'anima. A volte il direttore è poco più che un dipendente che soddisfa i desideri della strategia di messaggistica del cliente. Ma sempre, il lavoro consiste nel mettere insieme un puzzle con un'immagine inesatta su cui lavorare e, a volte, nessuna immagine, a parte ciò che si trova nell'occhio della mente.
In breve, un regista dirige il cast e la troupe per svolgere ciascuna delle loro numerose funzioni specializzate per realizzare una sinfonia di suoni e immagini che si materializza in un'opera finale. È come succede nella musica classica, dove il direttore mette insieme vari strumenti per eseguire il pezzo più grande. Solo nel cinema, il regista unisce effettivamente tantissime discipline artistiche piuttosto che una sola (la musica). Affinché la visione finale abbia successo, è necessario che un confuso miscuglio di artigianato – scrittura, recitazione, fotografia, registrazione del suono, illustrazione, pittura, falegnameria, ingegneria elettrica, styling, sartoria e molto altro ancora – sia messo in atto con esattezza.
Ed è il regista sulle cui spalle cadono il peso di tutti gli ingranaggi. Sono i campioni se tutto funziona; sono i ragazzi autunnali quando tutto fallisce. Intimidito ancora? Solo uno sciocco non sarebbe...
Non c'è un vero modo per avvicinarsi alla regia. I metodi variano dalla preparazione meticolosa all'improvvisazione istintiva. Spesso, un grande mix di diversi approcci servirà meglio. È una ricerca donchisciottesca che richiede ingegno finemente affinato, grande fiducia e istinti taglienti. Persone diverse si appoggeranno più fortemente su qualità diverse per superare il processo e sono stati riempiti libri che parlano degli stili e dei metodi dei grandi registi della storia. Ci sono, tuttavia, i fondamenti del lavoro – le cose di base che devono essere fatte e che richiedono la piena attenzione del regista. Questo è altrettanto vero nei lungometraggi, negli spot pubblicitari e persino nei video di YouTube di 30 secondi. Comunque tu voglia fare, preparati ad affrontare questi grandi compiti centrali e capisci che comunque scegli di gestirli, sono le parti della macchina che guideranno l'intero veicolo in avanti.
1. Dissezionare e digerire la sceneggiatura
All'inizio, viene la parola. Le sceneggiature sono il primo passo per concretizzare una visione per il cinema. Una volta che l'opera è stata inizialmente letta, devono accadere alcune cose. Vedere il film nella mente è naturale per qualsiasi lettore, ma il regista deve immaginare le cose sia davanti che dietro la macchina da presa. Le storie fioriscono organicamente nella psiche, e questo basta per una prima lettura. Ma la revisione successiva deve far riflettere il regista in termini di scene, momenti e battute. Quando è importante un primo piano? La fotocamera dovrebbe eseguire una panoramica o rimanere statica? Dinamiche come questa mettono la firma del regista sul pezzo e devono iniziare a delineare quelle idee nelle prime letture. Questo può essere sciolto come scrivere note ai margini della sceneggiatura o disciplinato come elenchi di inquadrature complete e interruzioni di script. Per avere una migliore comprensione dello storyboard, leggi il nostro articolo sulle sceneggiature di storyboard. Ma non ci può essere passività nella lettura. Il regista deve trattare l'opera scritta come farebbe un critico, come farebbe un ingegnere o un architetto, come farebbe un detective. La scoperta e la costruzione del film iniziano da qui. È quasi come una tesi di laurea. Metti in moto gli ingranaggi: stai facendo un film!
2. Primo avvistamento – Lo Storyboard
Successivamente, il regista deve iniziare a vedere davvero come sarà il film finale. Le telecamere sono ben lungi dall'essere a questo punto, ma gli occhi e la mente hanno bisogno della stimolazione visiva che può aiutare a solidificare la visione che si forma nel cervello del regista. Lo storyboard non è solo uno strumento visivo per il regista, è anche un fondamentale mezzo di comunicazione da condividere con il cast e la troupe della produzione. Ogni singolo reparto dovrà fare riferimento allo strumento in quanto è l'unico quadro di riferimento per come sarà effettivamente il montaggio finale del film. Sia che i registi disegnino lo storyboard da soli, assumano qualcuno per farlo o utilizzino un software per realizzarlo, questo processo è la chiave di volta nel processo di realizzazione del film che collega l'immaginazione alla creazione attraverso l'occhio. E funge anche da carota per il regista: un artefatto tangibile che dà vita all'intero progetto in un modo in cui le sceneggiature da sole non possono mai raggiungere. Se vuoi, puoi leggere di più sul lato tecnico della creazione dello storyboard.
3. Gli altri manager – Personale di produzione
Prendiamo l'idea dell'autorialità fin dall'inizio della conversazione: il cinema è un processo collaborativo. Con l'eccezione di una manciata molto piccola di artisti sperimentali audaci e brillanti di cui la maggior parte delle persone non ha mai sentito parlare, ci vuole davvero un villaggio per fare un film. E non sono solo artigiani e artigiani. Se il regista è l'amministratore delegato della visione, lo staff di produzione è il resto della struttura manageriale. Il personale di produzione si occuperà di un milione di compiti ingrati, dalla gestione dei dati finanziari alla logistica e alle scartoffie infinite. Fanno programmi, organizzano cibo e strutture e si assicurano che tutto e tutti arrivino dove devono essere quando devono essere lì. Tanto quanto qualsiasi dipendente artistico del progetto, hanno bisogno di capire le esigenze del film. Sviluppare un buon rapporto con queste brave persone è fondamentale per il regista, non solo per mantenere la macchina senza intoppi, ma anche per promuovere la buona volontà che si riverserà su tutti i soggetti coinvolti. Comunicare chiaramente con queste persone. Aiutali ad aiutarti a risolvere i tuoi problemi. Riconosci quando hanno raggiunto i propri limiti e trova modi per aggirarli. Fidati di loro che portano l'acqua del film e assicurati che si bevano da soli. Il personale di produzione è il collante che tiene insieme il tutto. Trascorri del tempo con loro e dai loro il tempo e lo spazio per familiarizzare con i requisiti del film.
4. Il direttore della fotografia, la finestra sull'anima di un film
Questa è la persona con cui il regista trascorrerà più tempo sul set. Per definizione, tutto ciò che viene filmato ruota letteralmente intorno alla telecamera. E il reparto riprese è guidato dal direttore della fotografia (o direttore della fotografia, alias DP). È molto importante per un regista padroneggiare il linguaggio della realizzazione visiva. Devi essere in grado di comunicare accuratamente cose come illuminazione, angoli e temperature di colore al DP. Dovrebbero essere in grado di far sembrare qualsiasi cosa come vuoi che le cose appaiano, ma devono essere in grado di capirlo fin dall'inizio: c'è poco tempo sul set per ripassare i vecchi brani. È meglio iniziare a parlare con un DP durante la pre-produzione in modo da essere sicuri che siano adeguatamente preparati. Per saperne di più, puoi leggere il nostro articolo su cosa fanno i cineasti. Ma quando le parole e le descrizioni falliscono, un regista deve prepararsi a discutere di sentimenti, azioni, emozioni e stati d'animo, non solo dagli attori, ma da ogni elemento dell'ambiente. In un certo senso, il direttore della fotografia è il primo pubblico del regista. Se riesci a trasmettere loro con successo l'effetto desiderato, possono far sì che quell'effetto si materializzi per tutti gli altri. Sono il ponte dal tuo cervello agli occhi del pubblico.
5. Gli altri virtuosi – Il dipartimento artistico
Quando le telecamere iniziano a girare, che tu sia all'esterno o che riprenda all'interno, ogni oggetto fisico registrato deve apparire corretto. Sembra sciocco e ovvio, giusto? Ma pensa a cosa significa veramente: ogni struttura, ogni oggetto, ogni ambiente deve essere ciò che la visione ha bisogno che sia. Ciò significa che i set devono essere costruiti, dipinti e posizionati. Significa che gli oggetti di scena devono essere catalogati, accessibili e corrispondere alle istruzioni dello script. Significa tutto ciò che non è legato a un attore (cioè vestiti e trucco). Nella migliore delle circostanze, il regista avrà un esercito di colleghi artisti provenienti da una varietà di campi che lavorano con loro. In pre-produzione, gli scenografi arricchiscono l'aspetto del film. Gli scenografi prendono quel lavoro e creano i progetti per i set finali. I comò prendono le redini per assicurarsi che tutto sia a posto e al posto giusto. Ad ogni passo, il regista deve essere sicuro di spiegare come deve essere questo film. Le stoviglie nella scena della cena dovrebbero avere motivi floreali? L'inseguimento in auto richiede una Chevy del '57 per sembrare autentica? Una scala a chiocciola aggiungerà simbolismo a una scena che una scala dritta non trasmetterà? Il regista deve ottenere questo dettaglio e assicurarsi che il dipartimento artistico comprenda e fornisca tutti questi elementi. E il dipartimento artistico può anche aggiungere i propri suggerimenti una volta che conoscono la visione filmata (forse una Buick del '62 si adatta meglio?). Formare buoni rapporti di lavoro con questi artigiani è essenziale per qualsiasi regista che cerca di catturare le immagini nelle loro teste.
6. Attori – Il tocco umano
Dicono che nel baseball, se non hai un buon lancio, non vincerai mai le partite. Nel cinema, sono gli attori che interpretano quel ruolo. Le produzioni possono soffrire di sceneggiature scadenti o vantare capolavori letterari. In entrambi i casi, solo i bravi attori possono far funzionare le cose. Se il pubblico non riesce a relazionarsi con i personaggi, tutto il resto diventa vuoto e privo di significato. Il rapporto personale più stretto che i registi devono avere con la troupe sul set deve necessariamente essere con gli attori. Una volta deciso il casting, un regista intelligente trascorrerà molto tempo con i propri attori. Sì, ci sono le prove, ma devono essercene di più. Esci a cena con il cast, vai a una partita, fai lunghe passeggiate. Conosci loro, le loro vite personali, i loro trionfi e tragedie. Il compito del regista è evocare l'emozione giusta al momento giusto per ogni momento del film. L'attore dovrà attingere alla memoria sensoriale – richiamando esperienze reali per tradurre quelle emozioni in performance – e il regista dovrà sapere come evocare quei meccanismi. L'attore protagonista ha appena ricevuto una brutta notizia? Puoi usarlo per la scena in cui la protagonista ha appena perso il lavoro. Forse l'attore che interpreta l'antagonista ha vinto di recente una maratona per cui si è allenato. Questo può essere impiegato per la scena in cui ride mentre è sfuggito al pericolo appena in tempo. Al suo apice, il gioco delle relazioni attore-regista è una danza delicata. I sentimenti della vita reale devono essere sfruttati; i pulsanti devono essere premuti. I registi devono recitare da soli, facendo rimbalzare stimoli emotivi grezzi per provocare gli attori nel loro mestiere. Ma se le parti coinvolte non sono disposte ad avventurarsi nei luoghi segreti della mente, il risultato sarà la mediocrità. Alla fine delle riprese è necessaria un'ultima esplosione di forza: la maturità per lasciar andare tutto. È un processo entusiasmante se fatto bene e i migliori film spesso hanno pagato l'esperienza con un sacco di potenti emozioni.
7. Persone di carattere: capelli, trucco, costumi
Ok, ora che abbiamo finito di torturare il cast, assicuriamoci che sembrino a posto. Proprio come qualsiasi altro mestiere in una produzione, le persone che vestono i personaggi sono artigiani a pieno titolo. Non avrai bisogno di un barbiere qui; stai assumendo uno stilista professionista che deve essere in grado di fare qualsiasi cosa, da Maria Antonietta a un mohawk punk rock. E non solo: poiché una produzione può andare avanti per mesi, quei tagli di capelli devono apparire uguali giorno dopo giorno. Non è un trucco facile. Per quanto riguarda il trucco, ci sono alcune sfaccettature da considerare. Prima di tutto, le luci dure che i film richiedono per illuminare una scena possono rendere traslucida la pelle umana. Senza una base sufficiente, vedrai effettivamente le vene di un attore – che forse funziona in un film dell'orrore. A proposito, il trucco può anche significare sangue, budella e sangue. O un modello che cammina sulla passerella. O un occhio nero – o qualsiasi cosa, davvero. Deve essere giusto come qualsiasi altra cosa per ottenere credibilità. Infine, abbiamo il reparto guardaroba. Mentre la maggior parte delle persone pensa alle persone che vestono gli attori per i pezzi d'epoca, anche una maglietta bianca e jeans devono essere "proprio così". Stai vestendo una mamma calciatrice o un operaio? Ci saranno macchie di sudore o le cose saranno immacolate? È compito del regista prendere queste decisioni e consultare i professionisti che modellano l'aspetto dei tuoi personaggi è importante quanto qualsiasi altra cosa. Queste non sono solo fashioniste, queste sono le persone che modelleranno l'aspetto del tuo cast e trasmetteranno al pubblico il sé interiore dell'ensemble immaginario. Sii paziente con loro. Sfoglia pagine di modelli, strisce di colore e libri di stile. Sono veri professionisti che devono avere un'enorme quantità di tempo faccia con gli stessi attori che fanno impazzire tutti sul set. Dai loro il dovuto e poi alcuni.
8. The Home Stretch – Post-produzione
Una volta che il regista ha messo il film nella scatola, deve succedere tutta un'altra serie di cose per arrivare al prodotto finito. Il processo fondamentale qui sarà il montaggio del film. Ora, quello storyboard che ha dato il via alle cose può essere tirato fuori di nuovo. Le riprese grezze possono essere tagliate e assemblate per costruire scene, quindi le scene possono essere messe insieme per realizzare il film. In questa fase, sorgeranno molte opportunità che lo storyboard non potrebbe prevedere. Contrattempi, inquadrature extra, problemi di performance, filmati persi e molti altri incidenti felici e infelici cospireranno per alterare ulteriormente la visione originale e rimodellare il film. Un buon editor ascolterà le esigenze di un regista e troverà modi per aumentare le idee originali in modo creativo. Un buon regista darà loro un po' di spazio per farlo. Gli editor sono maestri di ritmo, montaggio e tempismo. Possono sentire una sequenza prima che un regista possa farlo. Possono vedere i difetti nel piano di un regista e anticipare le opportunità per le quali un regista sarà grato. Se un regista riesce a comunicare correttamente il tono del film, come dovrebbe e come non dovrebbe sentirsi, un montatore intelligente ed empatico può tirare fuori molti trucchi meravigliosi dalle maniche. In quasi tutti i casi, esorto un regista a lasciare che qualcun altro faccia il montaggio. La vera magia può venire da questo. Altri lavori chiave in post includono effetti speciali visivi, CGI e forse animazione. Puoi leggere di più su effetti speciali e animazioni per ulteriori informazioni. L'approccio del regista a questi lavori è simile alle posizioni del dipartimento artistico discusse in precedenza.
Ma i film hanno anche il suono. I lavori più grandi in questo senso includono il sound design, il mixaggio del suono e, naturalmente, la colonna sonora. Come per qualsiasi altro aspetto del cinema, il regista deve essere nuovamente in grado di trasmettere a questi artisti ciò che il suono aggiungerà alla storia. Per il sound design, questo significa tutto, dal rumore ambientale - autostrade, cinguettio degli uccelli, onde che si infrangono sulla spiaggia - ai suoni esterni all'azione che possono aggiungere atmosfera alle scene. I film di fantascienza, ad esempio, usano spesso suoni strani e ultraterreni senza una fonte riconoscibile per rendere più pronunciata la sensazione del fantastico. Quando si tratta di mixare il suono, la domanda su quanto siano rumorose o silenziose queste cose può fare una grande differenza. Quegli uccelli che cinguettano calmano i personaggi sullo sfondo o interrompono una conversazione con grande fastidio? Devi ottenere tutto questo nel mix. E poi c'è la possente colonna sonora. Tutti amano una buona colonna sonora. Ma immagina se provassi a collegare la musica di Star Wars al film Straight Outta Compton ? O vice versa? Entrambi hanno una musica fantastica, ma ovviamente nessuno dei due potrebbe funzionare per l'altro (anche se sarebbe totalmente divertente). Quindi, ancora una volta, il regista deve essere molto sicuro di comunicare al compositore ESATTAMENTE quali idee e sentimenti la colonna sonora deve trasmettere al pubblico. Ciò significa uscire insieme ad ascoltare musica. Andrai rock o classico o forse merengue? Ogni film ha la sua atmosfera e la colonna sonora può trasmettere una grande quantità di informazioni psichiche agli spettatori - intendo agli ascoltatori! Proprio come ha detto David Bowie, il film è il dono del suono e della visione!
In fin dei conti, un regista è una persona che vive al servizio di una visione. Idealmente, sarà il regista, ma spesso i clienti possono dettare questo come spiegato in precedenza. Hai visto il termine "comunicazione" più e più volte, e questa è la chiave: il regista è il principale empatico del progetto. Devi assorbire le informazioni con profondità e intento telegrafico con grande precisione. Parlare e ascoltare devono essere concessi in egual misura. Sii audace, ma sii gentile. Sii duro ma preparati a piegarti. Ci saranno sempre persone che hanno un'idea migliore di te. E ci saranno sempre persone che dovrai convincere delle tue convinzioni. Benvenuti sul filo del rasoio. Procedi con attenzione e sicurezza e potresti semplicemente inventare qualcosa di speciale.
Circa l'autore
Il newyorchese argentino Miguel Cima è un veterano dell'industria cinematografica, televisiva e musicale. Un abile scrittore, regista e creatore di fumetti, il film di Miguel, Dig Comics , ha vinto il miglior documentario al Comic Con di San Diego ed è stato selezionato per Cannes. Ha lavorato per Warner Bros. Records, Dreamworks, MTV e molti altri. Attualmente, Miguel crea contenuti per più piattaforme e media. La sua formazione formale proviene dalla New York University, dove ha conseguito un BFA nel cinema. Viaggiatore mondiale, drogato di cultura e grande buongustaio, è felicemente sposato con la stessa ragazza dalla metà degli anni 2000, dedicato alla sua famiglia e ai suoi amici, e serve con servi i suoi veri padroni: due cani e un gatto.
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